Кто сказал, что ценность произведения искусства определяется специалистами? В MILDBERRY GALLERY мы считаем искусством то, что нас вдохновляет, а не то, что навязывают нам эксперты. Мы хотим восхищаться произведением, потому что оно нам нравится, а не потому, что кто-то сказал, что этим нужно восхищаться. И нам вовсе не важно, известен автор или нет. MILDBERRY GALLERY – это проект о нашем субъективном взгляде и понимании искусства. Здесь представлены произведения, которые нравятся нам, а не “экспертам”, работы, от которых по-настоящему захватывает дух. Это могут быть живопись, графика, фотография, скульптура, видео-арт, необычные инсталляции; если в них есть мастерство и биение жизни — мы не раздумывая предлагаем им пространство MILDBERRY GALLERY.

Присылайте нам свои работы, рассказывайте о талантливых друзьях, а друзьям — о нашем проекте. Ждем новых работ на gallery@mildberry.ru.

В MILDBERRY GALLERY проходит выставка живописи Мэтта Мура (США).

Мэтт работает на стыке жанров: от цифровых иллюстраций в своем фирменном Vectorfunk стиле до живописи в свободной форме и гигантских настенных граффити. Мэтт Мур — участник таких знаковых фестивалей современного искусства и культуры как ROJO NOVA, участник шестнадцати персональных выставок, в том числе в Лондоне, Барселоне, Сан-Паулу и Париже. Художник работает с такими компаниями как Adidas, Atomic Sky, Burton, Nike, Vodafone, Ray-Ban, Google, Mazda, журналом Wired и другими. На выставке представлены работы из серии SunRay Ricochet, выполненные в 2011 году в период пребывания Мэтта в Москве. Сопоставление старого и нового, асимметричная архитектура, театр теней и отражений, оптические иллюзии и яркие цвета. По мнению Мэтта, именно эти определения как нельзя лучше характеризуют Москву, и именно это ощущение художник попытался передать в своих работах. Вы как будто смотрите на кристалл через увеличительное стекло, и каждое произведение становится своеобразным миксом геометрических линий, цвета и иллюзий.

В MILDBERRY GALLERY проходит выставка живописи Виктора Казарина.

Виктор Казарин — известный живописец, чьи работы хранятся в Третьяковской Галерее, ГМИИ им. Пушкина и в Государственном Русском музее. Теперь увидеть его необычные картины можно и у нас, в MILDBERRY GALLERY!

По словам самого Виктора Казарина, суть его творчества в том, чтобы «писать картины так же легко и свободно, как дышать, чтобы живопись сама лилась из тебя». С 1976 года Виктор был постоянным участником знаменитых выставок на Малой Грузинской, а в 1991 году в Манеже открылась его персональная выставка, на которой было представлено более 600 работ. С этого времени художника называют отцом русского неоэкспрессионизма и говорят о стиле Казарина как о новом явлении в искусстве.

В MILDBERRY GALLERY представлена коллекция лун. Луны у Викора Казарина — разные ипостаси женщины. По его словам, именно луна была его музой с раннего возраста, для него она — существо одушевленное; именно в ней художник видит женское очарование.

В MILDBERRY GALLERY проходит выставка живописи Маши Семенской.

Серия работ, начатая Машей летом 2008 года, уводит зрителя в сказку, параллельное пространство, миф. Героиня всей серии — девочка, девушка, женщина — изображена на полотнах Семенской в своем развитии. Она живет, видит сны, испытывает страхи, чувства и желания. Все картины состоят из нескольких фрагментов, и это только усиливает впечатления от увиденного. Фрагменты и композицию работ «собирает» воедино обилие природно-растительных орнаментов, которые, видоизменяясь, «перетекают» из полотна в полотно, подчеркивая проникновенность трогательных женских фигур, которые «взрослеют» на глазах зрителей.

В MILDBERRY GALLERY представлены пять работ Маши Семенской, которые будут радовать и вдохновлять нас и наших гостей в течение месяца: «Миф», «Случайные обстоятельства», «Я нахожусь там, где вы думаете, что меня нет», «Похищенный смысл» и «Стереометрия». Работы из этой серии выставляются впервые.

«Циклы, построенные на повторяющейся композиционной схеме: столкновение человека и среды, в которой он существует. Может быть, их противопоставление. Что такое — эта среда? Прежде всего — это собственные представления человека о реальности».
А. Балашов, искусствовед.

С 8 ноября в MILDBERRY GALLERY проходит выставка художника Владимира Семенского «Детский сад».

На больших полотнах автор крупными мазками изобразил детей, занятых своими важными детскими делами. Вместе с тем, догадаться о том, что Семенский рисует именно будни детского сада, не обладая подсказкой в виде названия выставки, довольно непросто. Практически каждая работа — это портрет, но не столько изображение человека, сколько портрет его движения. Внимание зрителя концентрируется не на индивидуальности изображаемого, а на его действиях. И движения в этом «Детском саду» самые разнообразные. Столь же богата и цветовая палитра: живописец использует сочные краски, чтобы подчеркнуть яркое восприятие окружающего мира детским сознанием.

«Семенский — современный художник и современный человек. Его творчество не ограничено комментированием отношений в узком художественном кругу или форматом отношений с близкими людьми, друзьями и знакомыми, которых он изображает на картинах. Это было бы слишком просто. И было бы почти невозможно разглядеть здесь предмет искусства, если бы смысл высказывания ограничивался созданием портретной серии. Хотя так создаются целые музеи, наполненные именно портретами хорошо узнаваемых современников, и в которых нет ни одного произведения, имеющего отношение к художественной культуре: их экспозиции дублируют развлекательно-культурные программы музеев восковых фигур.»
А. Балашов, искусствовед.

Сайт художника: www.semensky.ru

Аршак Саркисян родился в городе Гюмри, в Армении, в 1981 году. В свои 29 лет он уже широко известен в мире современного искусства. Родившись в семье известного художника Арарата Саркисяна, Аршак не мог не пойти по стопам отца. В 2002 году он окончил Cyprus College of Art на Кипре, а в 2005 году был удостоен Президентской премии в области изобразительных искусств. В 2008 году Саркисян прошел отбор из 1,5 тысяч кандидатов для участия в ежегодной программе Art Omi International Artist Residency. Произведения авторов-участников подобных программ оцениваются семизначными цифрами.

Его работы замечены и высоко оценены величайшими деятелями в области искусства, в частности представителями знаменитой семьи потомственных дизайнеров Fendi. Полотна Саркисяна приобретаются частными коллекционерами из Европы и Америки. Персональные выставки Аршака уже посмотрели в Армении, США, Англии, Германии и на Кипре.

Картины Аршака наполнены темой избавления от комплексов и предрассудков общества; художник рассказывает нам о разных людях, их свободе и несвободе, их боли и радости, их одиночестве и счастье… В обычной жизни мы носим разные маски, скрывая за ними смущение и стыд за свои естественные эмоции. Маска нужна для того, чтобы поговорить на какие-то важные темы, на которые без нее говорить трудно и занудно. Игра, театр, яркие костюмы и сочные краски могут открыть даже самые глухие двери в душе человека. Может быть, поэтому работы Аршака так похожи на театр. Театральные приемы помогают выйти за рамки и наконец “сыграть” роль самого себя, со своими естественными проявлениями и желаниями. Странные люди-фрики, необычные детали, причудливые мизансцены, которые Саркисян выстраивает, подобно режиссеру, надолго удерживают внимание зрителя.

Работы Саркисяна — это параллельный мир, проводником в который является… человек с головой курицы, возникающий в разных уголках картин-спектаклей. Мы вдохновились Аршаком и его творчеством, и придумали совместный арт-эксперимент. Весь сентябрь, пока длится выставка художника, мы будем исследовать тему внутренней свободы человека с помощью театра и режиссера Виктории Звягиной.

На открытии выставки гости увидят театральный перформанс с участием автора картин. В следующие три вечера будут показаны зарисовки из репетируемого спектакля «Ночь феникса», где в центре событий — люди, будто сошедшие с картин Аршака. Это — три истории о разной степени свободы и ее значении в жизни и творчестве, о том, что происходит с теми, кто не может решиться стать свободным, и о том, какими кажутся cо стороны по-настоящему свободные люди. Перформанс состоится 2 сентября во время открытия выставки, сцены из спектакля запланированы на 8, 16 и 23 сентября.

Сайт художника: http://sarkissian-art.com

Лицо — это потрясающая поверхность для творчества, огромный и фантастически переменчивый полигон, ключевым элементом которого всегда остаются глаза. Как бы мы ни старались скрыть свои эмоции, глаза всегда выдадут нас. Что бы ни слышали наши уши, невербально мы узнаем правду. Подчеркнуть эту идею, довести ее до логических пределов и избавить зрителя от привычного взгляда на внешность – вот главная задача всех моих действий. Я провел небольшой эксперимент: показывал людям фотографии лиц, сделанные крупным планом, быстро перелистывал страницы и просил назвать эмоцию, увиденную на фото. Когда испытуемый видел портрет человека с закрытыми глазами, время реакции увеличивалось. Не видя на фото глаз модели, наблюдатель буксует в своих оценках.

В серии портретов, представленной в MILDBERRY GALLERY, я еще более усложняю задачу: рисунок на лице отвлекает внимание зрителя. Глядя на яркую маску, на сочетание цветов и форм, нарисованных на лице, мы абстрагируемся от черт мимики и действительно смотрим в глаза.

Леонид Лукин — фотограф, художник, дизайнер. Сайт проекта: http://www.pullaface.narod.ru.

4 июня Леонид представил свой проект “Faces Art” в MILDBERRY GALLERY.

Уроженец штата Нью-Джерси, Джабах приехал в Москву 7 лет назад и стал примером для молодых фотографов. В возрасте 22 лет он начал снимать обложки, портреты и фэшн-истории для ведущих глянцевых изданий, таких как: Vogue, Elle, Harper’s Bazaar, Fashion Cosmopolitan, Afisha, FHM, Playboy, Rolling Stone, Men’s Health, Moulin Rouge, Status, PLUS, BEAST, Ebyan, Amaan, V. В возрасте 27 лет он стал самым молодым художником, получившим возможность организовать соло-выставку в Музее Современного Искусства, став одним из наиболее влиятельных фотографов последнего десятилетия в Москве. Джабах также востребован как рекламный фотограф, он создал много работ для крупнейших рекламных агентств России. Но ближе всего по духу для Джабаха городская культура, с ее музыкой, клубной жизнью, андеграундными тусовками; она вдохновила его на создание его первой лимитированной арт-книги «MOSKWA RAW», которая успешно продается в Париже и Нью-Йорке.

Фотограф и художник Джабах Кахадо как никто другой чувствует энергию бурлящего мегаполиса, его моду, стиль и молодость. Работы Джабаха полны драйва и рокерской сексуальности. В MILDBERRY Gallery Джабах представляет свой проект под названием «The Obsession of…», который включает в себя образы из мира моды, исполненные в кинематографическом стиле, а также видеоинсталяцию «Sex with John Galliano». Свою коллекцию закулисных сцен моды Джабах отснял на парижских и нью-йоркских показах Dior, Galliano, Chanel, McQueen, Vivienne Westwood, Ungaro, Sonia Rykiel, Hussein Chalayan, Betsey Johnson, Isabel Marant и Imitation of Christ.

MILDBERRY GALLERY представляет выставку Петра Козлова, московского художника, который работает в жанре реализма и гиперреализма, исключительно в технике масляной живописи. Его работы создают сложное и увлекательное пространство, состоящее из цветовых элементов и деталей, каждая из которых рождает свой сюжет, оставаясь при этом частью общего полотна. Детализированное пространство настолько точно передает природу и свойства предметов, что сложно усомниться в реальности изображений настоящих фруктов, овощей и даже невиданных птиц, растений и сюрреалистичных сюжетов.

Выставка дополнена несколькими портретами в жанре экспрессионизма, которые добавляют реалистичному стилю художника эмоциональный оттенок.

Работы Петра Козлова представлены в частных коллекциях в России и США, постоянно участвуют в выставках и экспозициях за рубежом. С полным каталогом работ художника можно ознакомится здесь.

Выставка продлится до конца марта.

Джаид Шамильевич Джемаль родился 15 ноября 1928 года в Нагорном Карабахе. Окончил Московский художественный институт им. Сурикова. После окончания института стажировался в Большом театре, работал художником-декоратором в театре им. Маяковского, художником-иллюстратором в издательствах «Прогресс», «Радуга». С его иллюстрациями выпущено около 60 книг. Работал художником-мультипликатором студии «Союзмультфильм», был главным художником республиканского павильона ВДНХ. Будучи преподавателем Московского архитектурного института, в 1961г. был командирован в Монгольскую Народную Республику в качестве педагога-консультанта на Улан-Баторский Художественно-графический факультет. Благодаря этой поездке он навсегда полюбил Монголию, стал первооткрывателем Монголии в живописи. Сейчас Джаид Джемаль преподает в Московском текстильном институте им. Косыгина дисциплину «Цвет в костюме». Профессор, заместитель декана. Член Союза художников Москвы, Азербайджана, Монголии, член правления Общества друзей Монголии. Награждён медалями МНР: 60 лет Общества дружбы «Монголия-Россия», «За мир и дружбу», «Дружба».

В творческой жизни художника — более 40 персональных выставок, получивших признание как в Монголии, в России, так и за рубежом. Многие его работы выставлены в Музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Баку и других городах мира. За годы творческой выставочной деятельности Джаид Шамильевич создал серию, насчитывающую более 850 картин, посвященных Монголии.

Джаид Джемаль видит и пишет Монголию таким же незамутненным взглядом и свежими красками, какими видели и писали Гоген свой Таити, Рерих — Тибет и Индию. В основе его картин —движение и динамизм монгольской земли. Многие работы созданы по мотивам «Сокровенного сказания монголов» — национального исторического документа XIII века. Работы произвели огромное впечатление на монгольскую общественность степенью погружения художника в глубины не родного ему национального подсознания, характера и культурного космоса. На выставке MILDBERRY GALLERY представлены работы Д.Ш. Джемаля 70-х годов; все картины и рамы к ним были созданы в Монголии.

«Я очень благодарен своей судьбе, что она меня забросила сюда, в Монголию. Одарила меня добрыми, умными друзьями. Именно здесь, в Монголии, я впервые взялся за кисть, утвердился как художник. Именно эта страна и ее народ разбудили во мне любовь к искусству, к истории, к жизни. Монголия всегда живет во мне, в моем творчестве, в помыслах моих». Д.Ш. Джемаль.

Обнаженная натура во все времена была привлекательным сюжетом для фотографов; каждый автор раскрывает тему ню по-своему…

Двое влюбленных в воде в объективе Гамильтона — воплощение незащищенности и искренности. Джок Стержесс, пытающийся поймать переходный момент, — тот момент, когда детское очарование вдруг уступает влечению совсем другого свойства. Кокетливые красавицы Жонвеля, с их идеальными формами и каникулярным равлечениями. Изящные этюды Рониса. Экспрессивная эротика в морской теме Люсьена Клерга…

Однако раздеть модель еще не значит добавить работе провокативности. Раннее ню Спенсера Туника вообще лишено эротичности. Скульптурная ню Карела Людвига позволяет наслаждаться чистотой и геометричностью формы. В эстетской серии фотографий Карла Лагерфельда свет выхватывает лишь эмоцию. А Эрик Марриан и вовсе превратил тело в абстракцию…

Все работы схожи лишь в одном: их объединяет единый порыв создателей — внимание к человеку как к единственной по-настоящему стоящей цели искусства.

Работы Андрея Кима формально можно отнести к графике, поскольку выполнены они, в основном, темперой по бумаге. На самом деле, это, конечно же, живописные произведения. Беспредметная форма в интерпретации Андрея Кима — не дань моде, а доказательство его права на яркий и вдохновляющий художественный язык для описания реального, конкретного и чувственно определенного события, которому он сам стал свидетелем…

Принято считать, что русское искусство ассоциируется в первую очередь с каноническим изобразительным рядом — деревнями, березками и храмами — что, несомненно, является нашим наследием и традицией. Ким же формирует несколько иную русскую изобразительную культуру, занимаясь созданием контекста нашего беспредметного искусства. Ким — очень русский художник. И несмотря на большое количество выгодных предложений и признание за границей, — что позволило ему с успехом реализовать серии выставок в Токио, Киото, Нью-Йорке, Бостоне, Чикаго, Брюсселе, Амстердаме, Гамбурге и Кельне — он продолжает жить и работать в Москве, выставляясь, в том числе, в галереях и выставочных залах Москвы, Костромы и Ярославля.

C 1 августа по 15 сентября в MILDBERRY GALLERY прошла выставка уникальных работ известного французского художника Эдгара Дега (Edgar Degas) из частного собрания Юрия Петухова.

Монотипии Эдгара Дега виртуозно воспроизведены в офортах одним из самых известных граверов начала ХХ века Морисом Потеном. Эти офорты были использованы в качестве иллюстраций к двум роскошным изданиям «Разговоры Гетер» и «Семья Кардиналь». Книги были изданы ограниченными тиражами в 1935 и 1938 годах, по инициативе двух известных библифилов-издателей Амбруаза Воллара и Огюста Блэзо. Издания мгновенно стали раритетом и предметом вожделения для многих коллекционеров и любителей.

Композиции Дега, представленные на выставке, — редкая возможность увидеть малоизвестные произведения великого мастера. Имя Эдгара Дега (1834-1917) хорошо известно, однако далеко не все знают его как иллюстратора. Между тем, он создал около двух десятков офортов и более трехсот монотипий. Монотипия — это графическая техника, при которой, как правило, рисунок наносился краской вручную прямо на доску — при помощи кисти, а подчас и рукой. Очевидцы говорили, что Дега иногда буквально пальцами размазывал краску по поверхности доски. Сам Дега не любил название «монотипия», и свои оттиски называл «рисунками, нарисованными жирными чернилами и потом напечатанными». Мастер постоянно экспериментировал с техникой монотипии: поначалу он создавал свои «рисунки», нанося плотный слой краски на доску, а потом механическим путем удаляя краску в нужных местах; позже он стал рисовать на досках, как на листах бумаги, а в итоге пришел к смешанному варианту техники, совмещающему оба способа.

На выставке были представлены двадцать пять из пятидесяти пяти офортов (остальные хранятся в ГМИИ им. Пушкина).